Museo de Arte Contemporáneo: Más allá de las márgenes: Una exploración del arte latino y la identidad y Thomas Campbell: Creando algo para expresar algo, Compartir algo, Para que otros puedan sentir o querer crear algo, Esperanzadamente

Nota del Editor: Este artículo se presenta en español y inglés, gracias a Mark Alvarez. The Utah Review, aprecia su esfuerzo y su capacidad de ayudar en la preparación de las dos versiones. (English version is available here)

Dos exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo resaltan la expansión de percepciones de la galería en sus presentaciones y la visibilidad en las artes visuales: Más allá de las márgenes: Una exploración del arte latino y la identidad y Thomas Campbell: Creando algo para expresar algo, Compartir algo, Para que otros puedan sentir o querer crear algo, Esperanzadamente.

Más allá de las márgenes: Una exploración del arte latino y la identidad

Organizada con elegancia en su compacto pero potente espectro de la expresión cultura, la exposición Más allá de las márgenes: Una exploración del arte latino y la identidad presenta a cuatro artistas con nexos sólidos a sus legados respectivos de herencia que hacen crecer y componen identidades que cruzan e integran numerosas fronteras lingüísticas y culturales.

Colectivamente, los cuatro artistas—que se identifican, respectivamente, como puertorriqueño, mexicano-americano, argentino-americano y afro-dominicano-neoyorquino—demuestran de manera espléndida que las orientaciones culturales no sólo son híbridas sino que también están construidas con muchas capas, una encima de la otra.

La exposición ha sido organizada por María del Mar González-González, una profesora asistente del arte contemporáneo y moderno globalmente en Weber State University. En una entrevista con Utah Review, ella explica, “Desde mis estudios posgraduados, he estado investigando los conceptos de las fronteras, de ser marginalizado y de ser borrado y dejado en el silencio. He estado pensando en quiénes se permiten contar la historia y en el contenido de la historia contada.” González-González, que es de Puerto Rico, se acuerda de que la historia de su país de origen no se enseñaba mucho, una experiencia significativa en su personalidad y en su trabajo académico.

Son iguales de problemáticas las instancias en las que las responsabilidades culturales de las galerías del arte latinoamericano se han correspondido a organizadores entrenados en el arte europeo o en una disciplina en la que no se trata de las fundaciones de los patrimonios relevantes. Por lo tanto, moviendo más allá de las márgenes, como esta exposición recomienda, borra las convenciones y estereotipos de lo que se ve por costumbre confiado en otras exposiciones del arte latinoamericano—dónde las ideas temáticas, las paletas, las influencias estilísticas y la atención a las materia del sujeto específica normalmente han sido contextualizados por conveniencia en clasificaciones simples de género y de estética.

En organizar la exposición de UMOCA, González-González se enfocó en la vanguardia y las expresiones conceptuales que no cuadran con una narrativa simple. En ilustrar, ella menciona el ejemplo del artista nigeriano-británico Yinka Shonibare, que ha sido criticado por no ser suficientemente africano en su arte. En una entrevista el año pasado en The Guardian, Shonibare habló sobre crecer en Lagos y en como él cultivó el uso de los textiles de color brillante de Ankara, sobre todo en su arte de instalaciones. La fábrica que usa es algodón impreso en cera que proviene de Holanda, que él explica es “una manera de transmitir la identidad dual de una africano moderno como yo para dar a entender que la identidad de un africano pos-colonial ha sido tocado por el contacto de África con el resto del mundo.

Este sentimiento se encuentra la traducción maravillosa en Más allá de las márgenes. En el tríptico Los ramos imposibles: Después de Jan van Huysum, la artista mexicana-americana de Salt Lake City Nancy Rivera hace una declaración poderosa del arte en litografías de archivo que retratan unos arreglos de flores cuidadosamente compuestos que nunca podrían haber brotado simultáneamente por sus respectivos climas y geografías que tienen las estaciones en distintos tiempos del año. A causa de esto, el artista original de Holanda tardó has dos años en realizar los cuadros.

Las fotos de Rivera reproducen los cuadros originales usando los arreglos de las flores artificiales. Y, como nota González-González, las flores de seda son comunes en muchos domicilios de latinos, lo cual agrega una rúbrica de Rivera a la fundación cultural de la obra. Como el trabajo de Shinobare con el algodón impreso en cera de Holanda, Rivera hábilmente desafía las percepciones convencionales de cultura, demostrando como la composición artificial siempre ha respaldado varias ilusiones.

También hay una transmisión impresionante del bodegón holandés en la escultura suave Cada color en el arco iris del artista argentino-americano Tamara Kositanovsky, una obra de 2021 compuesta de unos textiles descartados, una cadena, un gancho y un motor (lo cual ha sido bien escondido en el techo).

Kostianovsky, que con frecuencia usa la ropa y las fabricas de su guardarropa, crea esculturas que bruscamente subvierten las apariencias asépticas de los cuerpos y la vida en la sociedad y la comunidad. Ella es experta en destapar el proceso proverbial de cómo se hace la salchicha. La ropa interior descolorida se vuelve ligamentos, los tejidos manchados se vuelven plumas, los suéteres deshilachados se vuelven manera de representar la grasa y la carne de los animales. En 2021, en una exposición en Los artes contemporáneos de Ogden, una escultura blanda de Kostianovsky, Atropellado de carretera, se presentó, hecho para parecerse a una pierna sangrienta de una vaca recién sacrificada. El simbolismo en su obra tiene sentidos múltiples que eventualmente convergen en un punto, el materialismo crudo, la violencia política donde lisiar y profanar el cuerpo ocurren, y la falta de respecto al derecho humano de controlar su cuerpo.

Kostianovsky, un residente de Brooklyn, ha conseguido una reputación internacional por sus esculturas, que tienen una calidad natural de efecto y apariencia. Ella tiene como mínimo ocho exposiciones programadas este año, incluyendo una exposición en solitario Carne cautivadora en Los artes contemporáneos de Ogden, que dura hasta el 16 de abril y unas exposiciones porvenir en Alemania y Francia.

Otro contrapunto de la fealdad y la belleza se encuentra en el intricado papel picado que se parece encaje en Carmela de Frances Gallardo. Esta obra excepcionalmente delicada de papel picado tiene cuatro capas y resalta los tonos marrones como los que se ven en la tierra y la erosión el los desprendimientos de la playa provocados por las lluvias torrenciales de huracanes. Gallardo ha creado una serie de paisajes recreados de imágenes de huracanes archivados de los satélites. Mientras compone cada trabajo para incorporar los datos de las tormentas, ella también se enfoca en el tema de conectarse con las tradiciones que marcan el tiempo y la época.

La obra de Gallado, que es de Puerto Rico, refleja el dominio de los huracanes en la historia de su país de origen. Ella es una de las artistas el la programación del Arte Americano en el Whitney Art Museum, la primera exposición del arte contemporáneo de Puerto Rico presentado en un museo de primer orden de Estados Unidos en casi cincuenta años. Entitulado no existe un mundo poshuracán: Puerto Rican Art in the Wake of Hurricane Maria, la exposición resaltar a los artistas que exploraron las secuelas de Huracán María, que atosigó la isla en 2017, y los impactos sociológicos, físicos y culturales de la tormenta.

Saso y Yaissa se juntan en el díptico excelente de Yelaine Rodríguez, una africano-dominicano-neoyorquino artista que vive en la ciudad de New York, representando dos retratos de la serie Afro-Sagrada Familia, en parte un tributo a La Sagrada Familia, una basílica católica monumental en Barcelona, que se empezó a finales del siglo diecinueve a manos del arquitecto Antoni Gaudí.

Rodríguez amplifica la diáspora africana abarcada en Quisqueya, representando la Republica Dominicana hoy día. En parte, los retratos hacen hincapié en las figuras religiosas y los santos conocidos en las expresiones católicas en las artes visuales. Sin embargo, estos retratos también restauran la visibilidad esencial de las religiones africano-sincréticas como la Santería y el Vudú. Estos modelos se encuentran en los intérpretes y los productores africano-dominicanos que llevan ropa hecha a mano y objetos asociados con los Orixá, que son deidades que vienen del África del Oeste y la cultura africana de la diáspora. Los objetos se exponen delante de los retratos, tanto como las estatuas de los santos católicos se expondrían delante de los cuadros o las litografías, como objetos de veneración.

Un aspecto destacable de desplegar una exposición en la galería de proyectos, el espacio más pequeño para exposiciones en UMOCA, es como Más allá de las márgenes consigue dar una declaración eminentemente clara y comprensiva, con una muestra de solo siete obras de cuatro artistas.

González-González y Rivera guiarán en español una visita y una conversación de la exposición el día 25 de febrero a la una de la tarde.

Thomas Campbell: Creando algo para expresar algo, Compartir algo, Para que otros puedan sentir o querer crear algo, Esperanzadamente

En la galería de la calle de UMOCA, la exposición con la larga pero perfecta encapsulación de su sentido—Thomas Campbell: Creando algo para expresar algo, Compartir algo, Para que otros puedan sentir o querer crear algo, Esperanzadamente—es un ejemplo atónito de uno de los movimientos más importantes del arte popular en América en las últimas décadas. A lo largo del país—incluyendo la zona metropolitana de la ciudad de Salt Lake—donde los patinadores, los surfistas, los que hacen snowboard, los tocadiscos, los artistas de hip-hop, los artistas gráficas, los poetas, los escritores, los ilustradores, los artistas de animación, los escultores, los directores del cine, etcétera, han impulsado un proyecto independiente de producción creativa por propia cuenta. Algunos tienen una formación académica o profesional, pero muchos otros son autodidácticos que han encontrado una vía creativa en cualquier lugar y en cualquier actividad. Se han hecho redes donde un grupo significativo sale de la clandestinidad para conseguir una visibilidad más amplia en la corriente popular. Muchos de estos artistas se destacan por ser prodigioso en su trabajo, a menudo llevando a cabo varios proyectos a la vez y constantemente explorando los medios nuevos y mezclando las formas.

Con cincuenta y cuatro años, Thomas Campbell, cuyo base artístico se encuentra en Bonny Doon, California, es conocido globalmente y tiene una multitud enorme de seguidores. Todo de su obra emana de un método libre, que para el artista supone una transición fácil y eficaz de la litografía a la fotografía y el collage y a la cerámica y bronce. También abarca la música, los libros, el cine y colaboraciones comerciales. Una de las dinámicas más atractivas es el aprecio apropiado de wabi-sabi, el cual impulsa la espontaneidad cinética de la cultura popular en pleno apogeo.

La exposición de Campbell es único por como se centra en el proceso creativo, el cual explica el porqué la producción creativa por propia cuenta es tan duradera como el producto pueda resultar efímero en su alcance. Una recreación literal de una parte de su estudio de California en la piedra fundamental de la exposición. Los partidarios de las virtudes de una mesa perpetuamente abarrotada estarán eufóricos con el laboratorio de Campbell. Esto incluye algunos de sus herramientas como una máquina de coser, una rueda de alfarero, cajas impermeables para rodar bajo agua y un cortador de plantillas.

Se alaba su uso de materiales (por ejemplo, las secciones de las carpetas de papel manila se convierten en lienzos y la materia para los collages y las esculturas). Algunas de sus obras se producen rápidamente. Muchos fueron creados durante un brote frenético, mientras se estaba instalando la exposición. Pero, el artista también tiene una capacidad de seguir las técnicas meticulosas en su obra, como se evidencia en algunas piezas. Un video del artista en acción de lapso-tiempo es maravilloso. Aporta al contexto para justificar su distinción como un artista orgánico que puede responder de manera extemporánea al momento creativo. Él maniobra constantemente entre los elementos abstractos y los representativos en realizar su arte.

Campbell es muy conocido en muchas comunidades de creadores por propia cuenta. No es poco el logro de UMOCA en atraer una exposición de su obra. Sus exposiciones en solitario se han instalado en New York, París, Tokio, Dinamarca, Los Países Bajos, San Francisco, Los Angeles y Marruecos. En 1999, él realizó su primera película de largo metraje de surf, El plantón, y en 2004, se estrenó su segunda, El brote y en 2009 terminó El presente. Mientras ha participado como dueño de varias empresa de la media, él estableció Um Yeah Arts hace una década, que se conoce por producir libros, música y cine.